Durante décadas, Madonna ha sido – y lo será por siempre- uno de los íconos más grandes del pop en la escena mainstream. Canciones efectivas para la radio, ganchos inmediatos y una relación directa con la cultura popular de masas han sido premisas constantes de su exitosísima carrera. Dicho de otra manera: su arte siempre fue reconocible y omnipresente, como si fuera parte de la vida o paisajes cotidianos de montón de generaciones.
Por eso, cuando se acercaba el fin del siglo XX, luego de seis discos largos y casi dos décadas de carrera en las estrellas, la Reina del Pop quiso dar un giro menos cómodo y complaciente, digno de tiempos nuevos y de la contemplación de un futuro que comenzaba a modernos los talones a todos.
Su exploración por terrenos un poco más oscuros e introspectivos la llevaron a las puertas del downtempo y el trip-hop, expresiones musicales que dominarían gran parte de su disco Ray of Light debido a que se encontraban en pleno apogeo. Con ellas moldeó nuevas texturas electrónicas y un estilo más alternativo que se guardaron un momento cumbre de misterio y etereidad sonora, llamado "Frozen".
You only see what your eyes want to see
How can life be what you want it to be?
You’re frozen when your heart’s not open
Cuando este sencillo salió algo ya sonaba distinto en Madonna. Marcaba un quiebre importante en su narrativa: menos provocación externa, más búsqueda en el interior. Nos llevó a una incursión a otro lenguaje sonoro. Nada parecía encajar con sus trabajos previos, y justo ahí radicó gran parte de su encanto.
Esta grieta dentro de su discografía la llevó a contemplar un mundo vacío con el alma más fría. Su letra -autoría suya y de Patrick Leonard- era un recordatorio de que abrirse al amor es también abrirse a la vida, que no deberíamos mirarlo todo con un corazón congelado. Este mensaje frontal se filtró lentamente sobre una base sonora más hipnótica y lenta, como si fuera parte de un ritual que tomaría forma de hechizo sombrío.
En ese sentido parece ir su videoclip, dirigido por Chris Cunningham, quien optó por un desierto como escenario perfecto para su rodaje. Ahí vemos a la cantautora norteamericana más gótica y chamánica que nunca, entre cuervos y sombras, perros negros y figuras que se fragmentan. Esta inspiración nació de la estética de filmes como The Sheltering Sky, The English Patient y la serie fotográfica "Lamentation" de Martha Graham (de ahí el vestuario y la coreografía).
Aunque hubo críticos y haters en primera instancia (siempre los hay), hoy podemos reafirmar que "Frozen" es una de las piezas más magnéticas en todo el repertorio de Madonna (si no es que la más). Un manifiesto sobre la transformación interior que nace de la frialdad emocional. El hielo es metáfora del desapego y de la incapacidad de amar o dejarse amar, y no debería ser un estado permanente; derretirse también es un acto de valentía con el que podremos volver a sentir, conectar y renacer.
If I could melt your heart we’d never be apart
Dato curioso: Siete años después de su lanzamiento, un compositor belga llamado Salvatore Acquaviva demandó a Mandonna, alegando que la cadencia del intro y los versos eran plagio de un tema suyo grabado en los setentas. Y, aunque un tribunal belga le dio la razón y ordenó prohibir la venta y difusión de esta grabación en ese país, en 2014 una apelación revirtió esta decisión, debido a que no había suficientes elementos para considerarla realmente una "copia".
Nos gusta pensar que tal vez, en el fondo, los jueces sabían que era un sacrilegio privar a sus ciudadanos de una perla auditiva con esta fuerza. Que decidir no silenciar "Frozen" era la comprensión de que esta canción tracendía cualquier similitud rítmica y habitaba una dimensión creativa totalmente distinta, mucho más vasta y emocional.
Después de todo, estamos hablando de una composición que parece más un conjuro para acceder a una forma más vulnerable de la existencia. Es como un espejo incómodo que nos expone lo fácil que es desconectarnos y lo urgente que es volver a sentir.
